Art abstrait

Vers 1910-1913, presque simultanément et indépendamment, plusieurs artistes européens franchissent un seuil inédit dans l'histoire de l'art : ils renoncent entièrement à toute référence au monde visible. Wassily Kandinsky, théoricien autant que peintre, affirme dans Du spirituel dans l'art (1912) que les formes et les couleurs peuvent agir directement sur l'âme comme le ferait la musique — sans passer par la représentation. Ses premières Compositions abstraites ouvrent un territoire nouveau.

Kazimir Malevitch pousse la démarche à son extrême avec le Suprématisme : un carré noir sur fond blanc (1915) réduit la peinture à ses éléments les plus épurés — forme géométrique pure, tension spatiale, rapport entre la surface et le vide. Piet Mondrian, après un passage par le cubisme, développe le Néoplasticisme : lignes noires orthogonales, rectangles de couleurs primaires sur fond blanc — une grammaire absolue de l'universel qui influencera le design graphique pendant un siècle. Ces trois voies — lyrique, géométrique, constructive — tracent les grandes lignes de l'abstraction du XXe siècle.

Après la Seconde Guerre mondiale, New York devient le nouveau centre mondial de l'abstraction avec l'Expressionnisme abstrait. Jackson Pollock invente le dripping — la peinture projetée en coulures directement sur la toile au sol — créant des réseaux gestuels d'une énergie frénétique que le critique Harold Rosenberg nomme « action painting ». Mark Rothko peint de grands champs de couleur flottants qui absorbent le spectateur dans une méditation silencieuse sur la lumière et l'émotion.

Franz Kline, Willem de Kooning, Lee Krasner développent chacun leur propre rapport au geste et à la matière. En France, l'Art informel — Hartung, Soulages, Fautrier — explore la texture et la trace, tandis que le groupe Supports/Surfaces interroge le tableau comme objet matériel. Le Minimalisme puis l'art conceptuel poursuivent, dans les décennies suivantes, la réflexion sur ce que l'art peut être sans imiter le monde.