Rococo

Épanouissement tardif du Baroque dans les salons et les boudoirs de l'aristocratie européenne, le Rococo se distingue par sa légèreté ornementale, ses coloris délicats et ses sujets galants. Apparu en France sous la Régence puis sous Louis XV, il réagit à la pompe officielle versaillaise en proposant un art plus intime, plus sensuel, plus souriant. Les intérieurs se couvrent de stucs aux arabesques asymétriques, de glaces, de dorures et de chinoiseries — la rocaille qui donne son nom au style est un ornement fait de coquillages, de pierres et de formes naturelles entrelacées.

Antoine Watteau invente le genre de la « fête galante » : des personnages élégants dans des jardins arcadiens, vêtus de soie chatoyante, jouent de la musique, conversent ou s'embarquent pour l'île de Cythère dans une atmosphère légèrement mélancolique. François Boucher, peintre des Grâces et favori de Madame de Pompadour, multiplie les corps féminins dans des scènes mythologiques d'un érotisme aimable et dépourvu de gravité. Jean-Honoré Fragonard atteint le sommet du genre avec une touche virevoltante, des couleurs fondues et une joie de vivre communicative — L'Escarpolette en est l'icône absolue.

Jean-Baptiste-Siméon Chardin apporte au Rococo une note plus grave et bourgeoise, peignant des natures mortes et des scènes domestiques d'une profondeur inattendue. La porcelaine de Sèvres et de Meissen, les meubles de Riesener, les tapisseries des Gobelins témoignent d'un art de vivre raffiné qui envahit toute l'Europe des cours. L'Allemagne du Sud et l'Autriche poussent le Rococo vers un exubérant délirium décoratif dans leurs églises de pèlerinage — Wies, Ottobeuren, Steinhausen — où la fresque, le stuc et la dorure fusionnent en une apothéose d'allégresse divine.

Balayé par la Révolution et le retour à la vertu néoclassique, le Rococo laisse cependant une trace indélébile dans les arts décoratifs et l'élégance française, et son goût de la grâce légère et de l'ornement raffiné resurgit périodiquement dans l'histoire du goût européen.